El David de Miguel Ángel

 

Es una de las obras maestras del Renacimiento, de las esculturas más reconocidas y admiradas de Miguel Ángel y símbolo de la ciudad de Florencia.

Está hecho en mármol blanco y es la representación del adolescente David bíblico cuando todavía era pastor, en el momento previo a enfrentarse con Goliat. Fue esculpido mediante cincel. Miguel Ángel lo diseñó para que fuese admirado desde cualquier punto en contraposición a la manera medieval que diseñaba las esculturas para ser vistas exclusivamente de frente. Su cuerpo se encuentra girado con un ligero contrapposto: la pierna izquierda se adelanta a la derecha, el brazo izquierdo se eleva y se curva hasta que la mano casi toca el hombro, mientras que el brazo derecho se deja caer hasta que la mano toca el muslo, el torso se curva sutilmente, la cabeza mira hacia su izquierda, manteniendo los ojos fijos en su objetivo, con las pupilas en forma de corazón y con el ceño fruncido.

Contrapposto es el término italiano utilizado para describir una figura con la mayor parte de su peso sobre un pie para que sus hombros y los brazos giren fuera del eje de las caderas y las piernas. Esto da a la figura un aspecto más dinámico o relajada. En escultura, se usa para dar sensación de movimiento.

Además, de su belleza y perfección técnica el David de Miguel Ángel alberga algunas curiosidades interesantes:

·   Para representar a un adolescente tiene la cabeza y las manos demasiado grandes y los brazos bastante largos. Es estrecho de caderas y las piernas están muy separadas. Existe una aparente incoherencia, ya que, a pesar de ser un personaje judío no está circuncidado.

 

·    Miguel Ángel seleccionó personalmente el bloque de mármol. Este había sido abandonado, debido a sus imperfecciones, en los talleres del Duomo de Florencia por más de 40 años. El artista mandó levantar un muro alrededor del bloque para protegerlo de los curiosos. Tardó cuatro años en terminarlo.

 

·     La escultura se presentó el 8 de agosto de 1504. Se necesitaron 40 hombres para trasladarla desde el taller a la Piazza de la Signoria. Actualmente se encuentra en la Galería de la Academia de Florencia.

Rembrandt: Moisés con las Tablas de la Ley, 1659.

 

Óleo sobre lienzo. 

Museo: Gemäldegaerie, Berlín, Alemania

El arte barroco se desarrolló entre los siglos XVII y XVIII. Su difusión abarca casi toda Europa y América latina.

Rembrandt lleva a las últimas consecuencias, el más barroco de todos los discursos pictóricos: el de la investigación de un personaje o de una situación a través de los contrastes de luz y sombra.

En este cuadro parece representar a Moisés, cuando al bajar por primera vez el monte Sinaí con las Tablas de la Ley en la mano y encontrarse a los israelitas idolatrando al becerro de oro, preso de la ira, las arroja contra el suelo y las rompe. 

En cambio, el rostro de Moisés intensamente iluminado podría hacer también referencia a la segunda bajada de Moisés, con las nuevas Tablas de la Ley después de haber hablado con Yahvé. 

Como es frecuente en Rembrandt, la misma escena representa dos momentos de una misma historia.

La figura de Moisés, de tres cuartos, visto de abajo a arriba, se yergue al borde del cuadro. La montaña del fondo y la roca delante de Moisés sugieren sutilmente el camino del monte Sinaí por el que desciende. El rostro y los brazos son las partes más iluminadas. Sólo tres notas de color, el rojo de fajín, el azul de la roca y el negro de las Tablas rompen los amarillos y marrones.

Toda la moral cristiana se basa en las Tablas de la Ley, dos placas de piedra que contienen los Diez Mandamientos. Son la serie de leyes y principios éticos que Dios entregó a Moisés en el Monte Sinaí.

 

1.   Amar a Dios sobre todas las cosas

2.   No jurar su santo nombre en vano

3.   Santificar las fiestas

4.   Honrar padre y madre

5.   No matar

6.   No cometer acciones impuras.

7.   No robar

8.   No levantar falsos testimonios, ni mentir

9.   No consentir pensamientos ni deseos impuros

10.       No codiciar los bienes ajenos

 

Basta con transgredir uno solo de los Mandamientos para no cumplir con la Ley divina.  En uno de los Evangelios de Mateo, se dice que los Diez Mandamientos pudieran encerrarse en dos:

«Amarás a Dios sobre todas las cosas y al prójimo como a ti mismo».

 

 

 

Pirámides de Keops, Kefrén y Micerino

 

Levantadas en la llanura de Guiza, en las afueras de El Cairo, son de los monumentos más emblemáticos y fascinantes del mundo.

Construidas hace más de 4000 años siguen maravillando por su grandeza, misterio, grabados... Representan la grandiosidad y el ingenio de la antigua civilización egipcia.

La de Keops es la más famosa y una de las siete maravillas del mundo antiguo que siguen en pie y en gran parte sigue siendo un enigma de la ingeniería. Se calcula que está formada por dos mil trescientos millones de bloques de piedra que pesan entre 2,5 y 15 toneladas cada una. Con ciento cuarenta y seis metros de altura fue la estructura más alta del planeta hasta que se construyó la Torre Eiffel.

Estas impresionantes estructuras funerarias fueron erigidas utilizando técnicas y conocimientos arquitectónicos avanzados para la época y servían para resguardar la «esencia» del faraón.

Arte del Renacimiento

 

Hacia finales de la Edad Media, el desarrollo de la tecnología agrícola permitió el incremento de la producción, creció el comercio y aparecieron los burgos. Al sumarse las condiciones económicas y políticas tras la caída del Imperio bizantino, se renovó el interés por la literatura, la filosofía y el interés por la antigüedad clásica. Mientras en Italia se desarrollaba el Renacimiento el resto de Europa mantuvo el gótico en sus formas tardías.

El Renacimiento italiano se divide en tres etapas: 

Trecento se refiere al siglo XIV en Italia. Se trata de la transición al pleno Renacimiento. Se adopta lo fundamental del arte clásico: simetría, equilibrio y proporción. Se percibe el arte como forma de conocimiento. Se da valor a la individualidad, a los logros personales por medio del conocimiento. El artista deja de ser anónimo. Se presta mayor atención a la anatomía, comienza a trabajarse el fondo de la composición que incluye el paisaje y se perfecciona la técnica del fresco.

Quattrocento corresponde al siglo XV y constituye el pleno Renacimiento. Su centro de mayor desarrollo estuvo en Florencia. En escultura se busca la proporción, la belleza del cuerpo. Se independiza de la arquitectura, aparece exenta, y se favorece la escultura de bulto redondo, el desnudo, lo ecuestre. En pintura se crean obras tridimensionales que involucran volumen, color y luz. La técnica que utilizan es el óleo, y gracias a ella aparece la pintura sobre lienzo, que da lugar al retrato pictórico. Se perfecciona el uso de la geometría espacial. La arquitectura vuelve al canon clásico grecorromano, se utilizan las columnas y las pilastras, además de los arcos de medio punto. El frontón griego vuelve a tomar importancia al igual que las cúpulas. Y al mismo tiempo, un nuevo hallazgo técnico: la perspectiva. Un elemento decisivo para el nuevo arte.  

Cinquecento corresponde al siglo XVI. El Renacimiento alcanza su máxima expresión y comienza una nueva etapa llamada manierismo, que convive junto a la tendencia clasicista. El centro de la producción del Cinquecento estuvo en Roma, donde se financiaron las obras más extraordinarias del período renacentista, como la Capilla Sixtina.

En literatura, con el Renacimiento aparece un nuevo género: el ensayo. Se practica la epopeya, el poema épico, el romance. Dentro de la narrativa en prosa destaca el cuento, la leyenda, la fábula, la novela en sus subgéneros: la picaresca, la de caballería, la pastoril… También florece el arte dramático. En lírica progresa la canción, el himno, la oda, la sátira... En música supuso la aparición de la polifonía, y apareció el motete, el romance, el villancico…, florecieron las danzas, la toccata, el preludio.

El estudio de la naturaleza trajo consigo la búsqueda de la verosimilitud. Se crean los talleres de artistas, dejando atrás los gremios medievales de artesanos. El arte se convierte en un objeto de distinción social. Y cobran gran interés las madonnas con el niño.

 

Pensamiento renacentista:

Son los hombres los que hacen la historia

Arte barroco

 

Esta vez el amor al arte nos lleva al barroco.

Ocupa el siglo XVII y principios del siglo XVIII. Su difusión abarca casi toda Europa y América Latina. Se suele situar entre el Manierismo y el Rococó. Nació y se desarrolló en la Roma de los papas.

Fue movimiento, ansia de novedad, amor por lo infinito y lo no finito, por los contrastes y por la mezcla audaz de todas las artes. Una tendencia al exceso y al movimiento. Un lenguaje dramático. No hay cabida para la sobriedad. Las figuras y las escenas parecen extraídas de un escenario, de ahí su teatralidad.

Los binomios, las dicotomías, aparentemente irreconciliables siempre encuentran en el arte barroco un punto de unión: luz-sombra, misticismo-sensualidad, dolor-placer…  

En arquitectura las columnas nunca serán rectas, tomarán las formas de una espiral. Es típica del Barroco la planta elíptica, la oval e incluso esquemas muchos más complejos, lo que lleva al abandono de las líneas rectas y de las superficies planas. Al ser una arquitectura de entrantes y salientes adquiere gran importancia la luz.

En pintura el exceso se mostrará en el horror vacui, en no dejar ni un solo centímetro sin una pincelada. Los temas principales son los religiosos, también los mitológicos, el retrato, el bodegón. El juego de luces y sombras da lugar al claroscuro, al tenebrismo. Un potente haz de luz provoca que muchos de los personajes de un cuadro queden casi a oscuras, solo se resalta al personaje principal. A este arte lo llevaron a su mayor expresión artistas plásticos, arquitectos como: Caravaggio, Carracci, Bernini, Zurbarán, Velázquez, Murillo, Rubens…

La escultura se vuelve urbana. Proliferan en calles, plazas, fuentes. Adquiere gran importancia el desnudo, la línea curva, el dorado, el brillo… Utilizan materiales como la piedra, el bronce, la madera policromada.

En música se caracterizó por el desarrollo de la armonía tonal y el contrapunto. Se inventó la orquesta. Se creó la ópera, el oratorio, la cantata, la sonata, la suite… Grandes músicos y compositores como: Vivaldi, Bach, Händel…

En literatura se llevará la frase a la torsión más absoluta. Se abusa de las figuras literarias como tropos, metáforas, adjetivación, elipsis, hipérbaton, antítesis, perífrasis. Un lenguaje recargado. Fueron barrocos: Luis de Góngora, Lope de Vega, Francisco de Quevedo, Tirso de Molina, Pedro Calderón de la Barca, Sor Juana Inés de la Cruz…

Todo tiene su auge y su declive. Durante los siglos XVIII y XIX el término barroco tuvo un sentido peyorativo, como grandilocuente, recargado, engañoso, caprichoso, absurdo, grotesco. Ya a finales del XIX y XX se fue revalorizando gracias a sus cualidades intrínsecas.

 

¿Te gusta el barroco?

Arte griego

Partenón

Grecia, esa pequeña península situada al sureste de Europa, cuna de las primeras ideas que dieron forma a la cultura occidental, tanto que nuestros conocimientos y modos de pensar son consecuencia de la filosofía, la ciencia y el arte de los griegos.

Eran, más que un pueblo homogéneo, una serie de tribus que tenían en común la lengua, indoeuropea, los principales dioses y el conocimiento de descender de unos mismos antepasados.

De los elementos bárbaros y autóctonos surge el «milagro griego». Roma de manera plena adoptó sus logros, la imaginería cristiana imitó la serena belleza de los dioses paganos, el Renacimiento y el Neoclasicismo recuperó los principios griegos.

Predomina en su arte, el racionalismo, el amor por la belleza entendida como suprema armonía entre las cosas, el interés por el hombre, que es «la medida de todas las cosas», según Protágoras. Nace allí la democracia, el gobierno del pueblo.

Goethe se expresó así: Que cada cual sea a su manera griego, pero que lo sea.

El templo de la Concordia en Agrigento

Templo de la Concordia

Siglo V. Es un ejemplo de arquitectura dórica, ese orden severo y macizo, el más antiguo, el más típico y famoso del arte griego. Las columnas acanaladas, en elipse, acaban con un capitel, un cojín de piedra colocado entre una parte acanalada y otra en forma de dado, el ábaco. Sobre el arquitrabe se encuentra el friso: una decoración de losas de mármol con tres incisiones (triglifos) alternadas con cuadrados esculpidos (metopas). La techumbre es siempre a doble vertiente. El Partenón es el principal templo dórico.

El Erecteón de Atenas

Vista noreste del Erecteón

La obra maestra del arte jónico. Muestra una planta asimétrica, única entre todas las obras análogas griegas. Tal particularidad obedece probablemente al hecho de que nunca se completó. El friso del orden jónico está totalmente esculpido y el arquitrabe se divide en tres fajas ligeramente salientes.

Las cariátides que sustituyen a la columna como soporte del edificio, son la mayor variación del orden jónico. Su valor decorativo es indiscutible.

Linterna de Lisícrates

Linterna de Lisícrates. Atenas.

Es el primer ejemplo en el que el orden corintio se ha utilizado en el exterior. El corintio es el tercer orden griego, después del dórico y del jónico. Es una variante decorativa del jónico, del que toma la columna y algunos elementos del friso, añadiendo, sin embargo, una base más decorada y el característico capitel, con hojas de acanto y cuatro volutas simétricas.

Pinceladas: Al orden dórico se le suele calificar de «masculino», mientras que al jónico se le da el adjetivo de «femenino». Las columnas jónicas son más esbeltas que las dóricas, en cambio, las dóricas son más macizas y juntas cuanto más antiguas.

El teatro de Delfos

Teatro de Delfos, visto desde arriba.

Es uno de los más pequeños y más significativos ejemplos de teatro griego. Se pueden distinguir perfectamente los elementos principales: el escenario, la orquesta semicircular, el graderío (cávea), en la falda de la colina, para los espectadores.

El discóbolo de Mirón

Copia romana del British Museum

La armonía del cuerpo humano se expresa en su grado máximo. Se interesa este autor, del que nos han llegados dos obras: El Discóbolo y el Grupo de Palas Atenea y Marsias, por el estudio del movimiento del cuerpo humano no dudando en situar sus figuras en posturas violentas. Es de un acusado naturalismo, aunque se mantiene el rostro y el pelo arcaico.

El arte de Fidias

Vista de la Acrópolis

La grandiosidad, la serenidad, los amplios y naturales ropajes, la sinuosa composición que se inserta en un esquema triangular son las características del arte de Fidias, el gran escultor que realizó los trabajos en la Acrópolis ateniense, en el período de mayor esplendor del arte griego, el Siglo de Pericles.

Praxíteles, lánguida pose en "S"

Hermes con el niño Dionisio

Fue después de Fidias el más famoso de los escultores griegos. Se le conoce por la gracia de sus esculturas, como Hermes con Dionisio niño, y el primer artista griego que esculpió un desnudo femenino.

Lisipo, artista predilecto de Alejandro Magno

Apoxiomeno

Último de los grandes escultores clásicos. Fue famoso por representar a los hombres tal como «se ven» y no como «son». El atleta que después de la competición se limpia el polvo y los ungüentos, Apoxyomenos, es quizás, la más célebre de sus obras, al mostrarle todavía jadeante por la competición, se balancea nervioso sobre la planta de los pies. Esa tensión de cada elemento, es la clave de su arte.

Artes menores

Ánfora ática geométrica

El ánfora fue uno de los primeros tipos de vaso elaborados por los griegos. La cerámica ática se reconoce pues se compone de figuras rojas sobre fondo negro, o figuras negras sobre fondo rojo.

Disfrutad con esta breve aproximación al arte griego.

Arte Románico

San Clemente de Tahull
Valle de Bohí (Lérida)

En los albores del año 1000 hubo una gran expansión económica y cultural junto con un importante crecimiento demográfico. Se roturaron nuevas tierras, se abrieron antiguas rutas de comercio que posibilitaron caminos de peregrinación. Toda Europa se vio envuelta en una fiebre constructiva que consiguió formular un lenguaje específico y coherente en lo artístico: El románico. 

Predominó en Europa durante los siglos XI, XII y parte del XIII. Y lo que se crea es verdaderamente original, cristiano y europeo.

Las primeras construcciones se hicieron en Lombardía, Borgoña y Normandía, difundiéndose por toda Europa gracias a la expansión de las órdenes religiosas como Cluny y Císter, las peregrinaciones, el aumento de la influencia de la iglesia. Y podemos decir con orgullo que el románico español es uno de los más ricos y variados de Europa, con sus influjos islámicos, catalanes, franceses, lombardos y visigodos que se amalgamaron para crear muchos e importantes monumentos.

Iglesia de San Martín de Frómista (Palencia)

Arquitectura: Fue la expresión artística más típica del románico. Elaboró soluciones estructurales y decorativas comunes, y sobre tal base, se hicieron escuelas locales. Dentro de su inmensa variedad de expresiones entre sus características podemos encontrar: El arco de medio punto, las bóvedas, primero de madera y luego de piedra, los contrafuertes en los muros para sujetar las bóvedas, los pilares más anchos, la planta en forma de cruz latina, varias naves, los ábsides semicirculares para rematar las naves, el crucero que separa las naves del coro, la girola por detrás del altar mayor, la cripta donde se guardaban las reliquias de los santos, el campanario...

Relieve representando la duda de
Santo Tomás.
Monasterio de Silos (Burgos)

Escultura. Las imágenes esculpidas narran la Biblia en los pórticos de entrada, en las ménsulas, cornisas, en los ambones -así se llaman los púlpitos-, en los capiteles de los claustros… El románico elabora un tipo de capitel que es peculiar de este estilo: el capitel cúbico, que se obtiene redondeando en la zona inferior los ángulos de un paralelepípedo de piedra. Las figuras románicas estaban policromadas aunque con el paso del tiempo hayan desaparecido los colores. Se aprecia en ellas un rígido frontalismo que confiere al rostro una expresión hierática y distante. Es muy raro que conozcamos el nombre de los escultores románicos.

Anunciación a los pastores
Panteón de reyes de San Isidoro de León

Pintura. Fue un arte muy floreciente pues no solo halló expresiones en la decoración de las paredes y las bóvedas representando escenas de la vida de Cristo y de los Santos, también sobre tablas y en miniaturas aunque mucho se haya perdido. La decoración mural se realizaba con pinturas al fresco o con mosaicos, estos últimos son casi exclusivos de Italia, por su mayor contacto con la cultura bizantina. Los temas a pintar eran episodios del viejo y nuevo testamento, animales fantásticos, escenas de guerra, de la vida cotidiana que nos permiten conocer mentalidad y costumbres de la época, todo aquello que entonces se llamaba «moralia» (relatos con contenido moral). Tema casi obligado en los ábsides era el Cristo en majestad, el Pantocrátor, que muestra a Cristo triunfante, sentado, dentro de la mandorla, con los Evangelios en la mano izquierda y la derecha en actitud de bendecir, y a su alrededor la simétrica muchedumbre de santos, hombres y poderes infernales.  

Es amplísima la decoración de los libros: la ilustración de un episodio, la decoración de las letras iniciales de los capítulos y de los parágrafos, así era llamado el párrafo. Da pudor tener uno de estos libros entre las manos.

Panteón de los Reyes
Basílica de San Isidoro de León

Arte Gótico

Abadía de Saint-Denis (Francia)

Su aparición coincidió con el mayor desarrollo de la cultura urbana en la Edad Media. Nació en el corazón de Francia, precisamente en la Ile-de-France, la fértil y próspera región al norte de París donde se encuentra una roca calcárea, resistente y fácil de trabajar.  De la abadía de Saint-Denis (1140) arranca el estilo gótico para expandirse por toda la Europa occidental. Detrás vienen las catedrales de Chartres, París, Reims, Beauvais.

Catedral de Chartres (Francia)

En España e Italia el gótico es menos puro, se latiniza. Las catedrales de León, Burgos, Ávila, Cuenca, Sevilla, Oviedo, Toledo, Barcelona, Palma de Mallorca…, son testimonio de la enorme variedad que la arquitectura gótica desplegó en España.

Catedral de León (España)

El estilo gótico flamígero se prolongó en el siglo XVI en el que se edificaron las catedrales de Salamanca, Segovia, Plasencia, paralelas a la difusión del Renacimiento.

Catedral de Segovia (España)

El primer edificio gótico inglés fue la catedral de Canterbury, seguida por la de Lincoln, la abadía de Westminster, la catedral de Gloucester.

Catedral de Gloucester (Reino Unido)

En Alemania, y poblaciones germánicas, sus obras maestras son la catedral de Colonia, la de Friburgo, San Esteban de Viena…

Catedral de Colonia (Alemania)

Este estilo es producto de una sociedad en evolución, que ha roto sus vínculos con el feudalismo. 

La arquitectura gótica se caracteriza por sus construcciones verticales y la preponderancia de la luz, símbolo de la divinidad y del acercamiento del hombre a lo divino. Las nuevas técnicas constructivas hicieron innecesarios los muros en beneficio de los vanos y las iglesias se llenaron de luz. Una luz transfigurada y coloreada mediante el juego de las vidrieras y los rosetones. El uso del arco apuntado, en lugar del de medio punto; la bóveda de crucería ojival, el empleo de arbotantes y contrafuertes (que no son visibles desde el interior, solo en el exterior y recorriendo con la mirada todo el perímetro). La planta siguió siendo predominantemente de cruz latina con cabecera en ábside orientada al este.

Un aporte valioso del arte gótico fue la independencia de la pintura y escultura de la arquitectura, pues hasta entonces se desarrollaban principalmente en soportes arquitectónicos.

La escultura gótica aparece concentrada en el exterior de la catedral, mientras el interior está casi privado de ella. La verticalidad del gótico se manifiesta en las figuras alargadas que suelen estar situadas en hornacinas y en su parte superior se coloca un dosel. Las cabezas son un poco más movidas y los cuerpos, los rasgos del rostro hacen que pueda reconocerse al personaje representado.

La pintura gótica no desempeña el papel fundamental que ha desarrollado en otras épocas del arte. Una excepción es Italia, donde no se llega al nivel de verticalidad y de ligereza del gótico francés, inglés, alemán, permitiendo que sobreviva el gusto por la pintura mural de temas religiosos. En cambio la pintura profana que adorna las salas de los castillos, de las mansiones señoriales y edificios municipales cobra cierta importancia. Los temas preferidos son historias novelescas o escenas de la vida cortesana.

Las artes menores (vidrieras, cofres, miniaturas, tapices, etc.) presentan un excepcional desarrollo y alcanza, como es el caso de las vidrieras, una calidad excepcional.  

El término gótico fue acuñado por Giorgio Vasari en el siglo XVI, como nombre despectivo del arte medieval. Para el Renacimiento, lo digno de ser admirado era el arte clásico grecorromano, no así el gótico (bárbaro). 

Sin embargo, en el siglo XIX, los románticos lo revalorizaron. 

Y a tí ¿Te gusta? 

Catedral de Burgos (España)